Sexploitation bakala con ínfulas de metáfora política que, de tan desbocada y delirante, acaba resultando una comedia involuntaria. Algo así como una torture porn zetosa y pretenciosa cuyo (único) objetivo es llamar la atención a base de violencia extrema y sexo chungo. Más que grima, da risa.
Lo mejor: Que de tan pasada de rosca acaba resultando divertida.
Lo peor: Su pretensión de ser algo más que un violento softcore.
¿Cómo sería un remake de ‘El bosque’ dirigido por Haneke y ayudado en las escenas de sexo por su compatriota Ulrich Seidl? Pues algo muy parecido a ‘Canino’, la última sensación festivalera llegada de un país, Grecia, donde pensábamos que el único que hacía cine era Theo Angelopoulos. ¿Qué tiene ‘Canino’ que a todos sorprende/perturba? Primero, lo más obvio, una carga de sexo bizarro, sórdido, gélido e incestuoso. Segundo, unos estallidos de violencia tan seca que duelen, tan inesperados que acabas protegiéndote de forma involuntaria como si te estuvieran golpeando a ti. Tercero, una trama (que no voy a desvelar) tan desconcertante como sugerente, tan abstracta que sus significados explotan dentro de cada espectador hacia múltiples caminos, siendo el mejor asfaltado el de la fábula que expone los mecanismos y las consecuencias de los totalitarismos.
Cuarto. Un esquinado sentido del humor, entre lo absurdo (lynchiano) y lo surrealista (buñueliano), que recorre toda la película y supone la mayor diferencia con respecto a sus modelos austriacos, incapaces de proporcionar al espectador algo parecido a una sonrisita. Quinto. Una puesta en escena deslumbrante, por lo soleado de la fotografía y por su fuerza metafórica al enfrentarla al drama que se desarrolla bajo tanta intensidad lumínica. Un desfile de planos fijos, largos e inertes, que sólo se desestabilizan cuando el orden empieza a resquebrajarse, a romperse como los caninos de su protagonista. Y sexto. Un atracón de excentricidad que, a ratos, puede resultar bastante indigesto. Si sumamos todo obtenemos un resultado: la propuesta más marciana, sugestiva y estimulante de la temporada.
Lo mejor: Su (deslumbrante) puesta en escena
Lo peor: Se pasa de excéntrica.
La secuencia: La rotura del canino frente al espejo.
Hierro es el clásico ejemplo de película cuyo argumento no está a la altura de la (excelente) factura técnica y el (sugerente) envoltorio visual. La historia de una madre que pierde a su hijo y no para de buscarlo hasta llegar a la (obligada) pirueta narrativa final es demasiado inconsistente y previsible como para mantener por si misma la atención del espectador. Sólo el talento del director para la creación de atmósferas y su uso del paisaje como apoyo y metáfora visual logran elevar la película más allá del típico y efectista thriller patrio.
Lo mejor: Su (sugestiva) atmósfera
Lo peor: Lo débil de la excusa narrativa.
La secuencia: Elena Anaya subiendo una montaña volcánica como si de Ingrid Bergman en Stromboli se tratara.
Otro ejemplo más de torture porn a lo Saw (no en vano Marcus Dunstan es el guionista de las últimas secuelas), con asesino sádico, juguetón y de estética bdsm. La gran protagonista de la película es una gran mansión donde el asesino tiene retenida a una familia. En ella ha colocado un sinfín de trampas mortales para que sus víctimas vayan cayendo en ellas. El director mueve la cámara con agilidad por las distintas estancias de la casa, haciéndonos partícipes del juego del gato y el ratón entre el asesino y, divertido e inesperado detalle, un ladrón que había entrado a robar y se acaba convirtiendo en el héroe de la película. Entretenido divertimento sádico, con algunas gotas de erotismo, que molesta por su efectista montaje -sobre todo sonoro- pero divierte por lo excesivo e inverosímil de la propuesta.
Lo mejor: Su falta de pretensiones.
Lo peor: Su efectismo sonoro.
La secuencia: El descubrimiento de las diferentes trampas colocadas por la casa. ES tan delirante que tiene gracia.
El “remake” dirigido por Werner Herzog es un viaje por el (lisérgico) día a día de un policía con grandes problemas de adiciones pero, y ahí está la ironía del título (ironía que recorre saludablemente toda la película), con un gran talento para llevar acabo su trabajo, por mucho que sus métodos no sean muy ortodoxos. El director diseña la puesta en escena en consonancia con el estado en que se encuentra su protagonista –un inmenso Nicolas Cage-, creando espacios que tienen más de mentales que de físicos.
Lo mejor: La ironía que recorre toda la película.
Lo peor: Que esa ironía a veces se transforma en extravagancia.
La secuencia: La (extraña y fascinante) secuencia de las iguanas.
Ne te retourne pas es de esas películas, habituales en el género, en las que sabes que su prometedor inicio no va a estar en consonancia con el posterior desarrollo y desenlace. La idea de una mujer que ve como su hogar, su familia y hasta ella misma están transformándose poco a poco, están cambiando de apariencia, hasta ser incapaz de reconocer(se)los, es tan sugestiva como aterradora. De esas fallas de la percepción, de esa disolución de la identidad, de esa irrupción de lo siniestro en un entorno cotidiano y familiar, extrae la debutante Marina de Van los mejores momentos de la película. La explicación final, la búsqueda de la causa de ese fenómeno extraño una vez que éste se ha instalado de forma permanente en la realidad, resulta mucho menos interesante y más convencional.
Lo mejor: La idea inicial.
Lo peor: La explicación final.
La secuencia: El visionado de la grabación casera donde la protagonista no se reconoce y ve a otra mujer en su lugar. Aterrador.
Película de bajo presupuesto que, como la anterior Right at Your Door (2006) -con la que guarda no pocas similitudes-, intenta suplir su falta de recursos con herramientas baratas pero efectivas, como el sonido y el espacio en off. El filme mezcla el terror vírico con la mítica representación radiofónica de La guerra de los mundos. Una solución argumental atractiva que se transforma en pura ironía cuando nos enteramos que el virus está alojado en determinadas palabras de la lengua inglesa y se transmite cuando éstas son dichas por el emisor y comprendidas por el receptor. Una idea curiosa y plena de resonancias metafóricas, pero que no funciona más allá de su enunciación. La reducción de la acción a un espacio único (una emisora de radio local) condiciona todo el filme, resultando demasiado teatral y parlanchín. El director no acierta a mantener la tensión que se supone tiene que sostener la historia, esa sensación de terror y claustrofobia por la amenaza que se cierne sobre ellos, por lo que “está pasando ahí fuera”.
Lo mejor: Cómo se transmite el virus.
Lo peor: La puesta en escena de esa buena idea inicial.
La secuencia: El (extraño) encuentro en la carretera.
Thriller hongkonés con una idea de partida muy atractiva pero un desarrollo posterior algo endeble. La historia de una banda de asesinos a sueldo especializada en hacer pasar su crímenes por accidentes, a priori promete. Pero no acaba de convencer por culpa de unos personajes poco o mal trabajados, un desarrollo de los acontecimientos algo deslavazado e inverosímil (ese Alzheimer repentino que acaba con la memoria del más viejo de la banda), y una influencia de La conversación no muy bien digerida. Por el contrario, Pou-Soi Cheang demuestra su talento para la puesta en escena a la hora de coreografiar las secuencias de acción, las ejecuciones de los planes para crear accidentes. La película pide a gritos un remake americano.
Lo mejor: La puesta en imágenes de los “accidentes”.
A pesar de un final algo efectista, que estropea algo el conjunto, la película es un interesante y atípico ejemplo de torture porn mezclado con un tipo de survivor donde prima lo psicológico sobre la acción pura. A diferencia de sagas como Hostel o Saw, Broken se pone del lado de la víctima, no del verdugo. Y eso ya es toda una declaración de intenciones. Simon Boyes y Adam Mason no espectacularizan en exceso la violencia, ni dotan de carisma al asesino, ni erotizan de forma sadiana a la víctima. Al contrario. Dotan de psicología a los personajes y los humaniza. La víctima es una madre soltera de mediana edad, poco agraciada físicamente, que más que por su vida teme por el destino de su hija. El asesino, lejos del estereotipo de sádico superdotado que disfruta proponiendo juegos perversos a sus víctimas, es más un patán perturbado que realiza siempre los mismos ritos sádicos. Al final lleva más a la compasión que a la admiración. En ese sentido, Broken parece más una crítica a la torture porn que otro sucedáneo más nacido a la vera de las exitosas Saw o Hostel.
Lo mejor: La voluntad de dotar de psicología a los personajes.
Lo peor: Un final algo efectista.
La secuencia: Las silenciosas cenas alrededor del fuego.
The house of the devil es un acercamiento nostálgico y entusiasta al cine de terror de los 70 y primeros 80. Pero no es una actualización ni un remake. La película de Ti West no sólo está ambientada en los 80, parece hecha en los 80. Formalmente utiliza muchos de sus signos distintivos: la forma de presentar los créditos, la música (donde predominan las notas inquietantes de un piano), la planificación de las secuencias (con un ritmo más pausado que en la actualidad), el uso del zoom. Y temáticamente también: las sectas satánicas, los ambientes del gótico americano. Las influencias no se esconden, y van desde el giallo sobrenatural de Argento a la Semilla del diablo de Polanski, pasando por el cine de terror ochentero protagonizado por adolescentes. Un ejercicio de estilo retro que, a pesar de un final apresurado y las propias limitaciones de la propuesta, funciona muy bien. Gracias sobre todo a una atinada creación de atmósferas y un notable uso del suspense para crear tensión y desasosiego en el espectador.
Lo mejor: Su estilo y atmósfera.
Lo peor: El precipitado y desafortunado final.
La secuencia: Toda la parte donde la protagonista espera en casa “cuidando a la abuela”.
El problema de muchas ficciones que utilizan las estrategias del falso documental, sobre todo en la variante vídeo casero, es justificar la presencia de la cámara, el tener una excusa verosímil para que la cámara doméstica esté grabando un determinado momento y convertirlo así en una secuencia significativa para la ficción que se está construyendo. Home Movie empieza sorteando esta dificultad con pericia: la cámara graba las diferentes celebraciones que jalona un año de una familia media estadounidense. Buena excusa para retratar las dificultades y los problemas de convivencia de una familia, aquellos que aguardan bajo el manto lúdico de una celebración. Si además la cámara también es utilizada como herramienta de trabajo (para la madre, psicóloga infantil) y como juguete voyeurístico por el padre, las excusas se multiplican y la verosimilitud aumenta. Pero, ¿qué pasa cuando la película empieza a girar hacia el cine de terror con niños malvados y la acción empieza a verse como si estuviera rodada por un operador de cámara profesional? Que la sensación de hiperrealidad se resquebraja y la película se desmorona inevitablemente. Si no puedes llevar una estrategia narrativa hasta el final, mejor no utilizarla. ¿Y qué queda, entonces? Un filme con ideas interesantes, pero tramposo y, a la postre, más convencional de lo que parece.
Lo mejor: La (significativa) elección de las celebraciones.
Lo peor: Que la estrategia narrativa se le acaba yendo de las manos al director.
Al igual que ocurrió con 'Déjame entrar', y salvando las distancias, lo que más sorprende y agrada de 'Dead Snow' es la singular ubicación y ambientación de una historia mil veces vista. Que unos zombies salgan de sus tumbas y acechen a un grupo de adolescentes no es ninguna novedad. Pero que éstos sean antiguos soldados nazis y aparezcan en un paisaje escandinavo totalmente nevado sí lo es. Y es que ese detalle, aunque no parezca determinante, lo es. El paisaje nevado, aislado, tiene implicaciones a un nivel estético (el contraste de la sangre sobre la nieve, los zombies saliendo de ella), atmosférico (la soledad, lo inhóspito) y simbólico (la nieve como manto que entierra hechos del pasado que saldrán literalmente a la superficie).
Por lo demás, 'Dead Snow' no es más que una comedia gore, muy deudora de 'Posesión infernal', que combina momentos divertidos con otros directamente ridículos. Una película simpática, que deja un buen sabor de boca sobre todo por una razón (spoiler): mueren todos los repelentes protagonistas. Como debe ser.
Lo mejor: Su atmósfera.
Lo peor: El discutible sentido del humor de algunas escenas.
La secuencia: Cuando uno de los protagonistas se corta el brazo así mismo. Un buen gag.
¿Por qué está teniendo Paranormal Activity tanto éxito? Su contenido no es nada original (casas con actividad paranormal ha habido muchas en la historia del género de terror), y mucho menos la forma de presentarlo, adscrito a esa corriente de terror mockumental inaugurada con Holocausto caníbal, renovada con El proyecto de la bruja de Blair y continuada con películas como Monstruoso o REC.
Entonces, ¿por qué una propuesta tan a priori convencional, plagada de tópicos del género, se ha colado en lo más alto de las listas de películas más taquilleras? Lo que diferencia a Paranormal Activity de las demás películas mencionadas es su cotidianeidad, su carácter doméstico. Ese es el gran hallazgo de filme: introducir el terror, la amenaza de lo inexplicable, en el dormitorio. El terror ya no viene de fuera, de la selva, de un bosque, de una mansión gótica. No. El horror está en nuestra habitación y se manifiesta cuando más vulnerables somos: mientras dormimos.
El director Oren Peli demuestra, como han hecho otros antes, que se puede crear miedo con muy poco, manejando sabiamente elementos como el sonido, el tiempo o el encuadre para sugestionar al espectador y provocarle inquietud y terror. Un ruido extraño en la noche o una luz encendida de forma inesperada pueden provocar más pavor que cualquier tortura por muy gráfica que sea.
Lo mejor: Las grabaciones nocturnas en la habitación.
Lo peor: La historia del exorcismo. Completamente fuera de lugar.
La secuencia: La primera vez que ella se levanta y permanece de pie durante horas en la noche.
Apoteosis del suspense. Kathryn Bigelow nos da una lección de cómo crear tensión en una secuencia, de cómo manejar las herramientas visuales y sonoras para construir, por medio de varias set pieces, una película explosiva, llena de fuerza y vigor. Los personajes son meras marionetas, sí, y el contexto bélico una simple excusa para crear esos momentos de suspense. Cierto. Pero esas secuencias están tan bien realizadas que no importa, no necesita ofrecer esos asideros dramáticos -de hecho a veces sobran- para crear una película notable. Un sobresaliente ejercicio de suspense cinematográfico.
Lo mejor: Las secuencias de suspense
Lo peor: Los personajes están demasiado estereotipados.
La secuencia: Todas las desactivaciones de explosivos.
The Children es una variación más de cinta de terror con niño(s) malvados. Una película que destaca más por su atmósfera -opresiva e inquietante- y por el retrato de los personajes, que por la trama y su desarrollo. Tras un inicio prometedor, en un escenario (una idílica casa rodeada de nieve y montañas) y con grupo de personajes cargadosde posibilidades (por momentos parece el típico drama con burgueses en crisis), la película se pierde en golpes de efecto y convencionales soluciones de guión.
Lo mejor: El (atractivo) planteamiento
Lo peor: El (insatisfactorio) desarrollo.
La secuencia: La comida con todos los niños “portándose mal”.
Moon es una película simpática y atractiva a pesar de sus numerosos defectos. Y lo es primero por su sinceridad: lejos de esconder sus referentes estéticos, los explicita como si fuera un exploit de 2001. Puesto a copiar, qué mejor modelo. Segundo, por su sentido de la narración: en ningún momento decae el interés a pesar de tener a un solo protagonista durante gran parte del filme y resultar bastante previsibles sus giros argumentales. Tercero, por su falta de pretensiones: no pretende filosofar a lo Kubrick o Tarkovski a pesar de lo tentador del contexto. Moon queda como un buen ejemplo de ciencia ficción con fondo de drama existencial.
Lo mejor: Su sinceridad y falta de pretensiones.
Lo peor: Todo suena a ya visto.
La secuencia: El protagonista viendo la Tierra desde el exterior de la Luna. Tan tópica como potente.
Refrito de lo más indigesto de comedia de terror adolescente con vampiras a lo Jean Rollin. No consigue ninguno de sus propósitos, por modestos que sean: como comedia es torpe, su humor pretendidamente negro es demasiado blanco y tontorrón, su erotismo peregrino y aséptico, y como homenaje retro es pura y simple fachada o coartada cinéfila. Esta más cerca de Aquí huele a muerto (por debajo, diría yo) que de El baile de los vampiros.
Lo mejor: Algún gag suelto que destaca entre tanta mediocridad.
'La huérfana' tiene todos los ingredientes para ser considerada una de las mejores películas de terror del año: una buena historia (con sorpresa final muy coherente, nada tramposa), unos excelentes intérpretes (atención a la niña Isabelle Fuhrman), una puesta en escena muy elaborada, llena de matices y detalles inquietantes; y, sobre todo, un personaje al nivel de los clásicos "monstruos" del cine de terror.
El director catalán Jaume Collet-Serra tiene la virtud de tomarse su tiempo en el desarrollo de la historia y la caracterización de los personajes. La película comienza como un drama familiar, con una pareja en crisis; y, poco a poco, con la llegada de la niña, se convierte en un filme de terror. Un terror provocado por un tema clásico en el género: la irrupción, como un cáncer maligno, del "otro", del mal llegado del Este (como Drácula), que amenaza la estabilidad e incluso la existencia del núcleo familiar.
A pesar de algún que otro susto fácil, detalles algo innecesarios -por efectistas- como las pinturas de la hermana pequeña o las del cuarto de la huérfana, o una resolución algo convencional, 'La huérfana' puede ser considerada como uno de los hitos del cine de terror con niño malvado.
Lo mejor: La interpretación de Isabelle Fuhrman como la huérfana.
Lo peor: Demasiado susto facilón.
La secuencia: La huérfana intentando seducir a su padre adoptivo. Inquietante y bizarre.
Sexploitation bakala con ínfulas de metáfora política que, de tan desbocada y delirante, acaba resultando una comedia involuntaria. Algo así como una torture porn zetosa y pretenciosa cuyo (único) objetivo es llamar la atención a base de violencia extrema y sexo chungo. Más que grima, da risa.
